Sérieux, honnêtes et magistraux dans leur exploration créative, le studio de design londonien Studio NARI façonne ce que l'on attend d'un studio de création contemporain ; commandant des projets collaboratifs et francs dans un ensemble dynamique et varié d'industries.
Ayant notamment collaboré avec Nike, Apple, Levi's, Yoko Ono, Vogue, V&A et bien d'autres, et plus récemment avec Mob Kitchen, Studio NARI trouve une satisfaction et une personnalité innée dans tout ce sur quoi il porte son attention. Il façonne sans effort des expressions typographiques pour créer quelque chose d'immédiatement familier et pourtant si original. Une voix graphique qui n'a peur ni du processus ni de l'imperfection.
En conversation avec la directrice créative du Studio NARI, Caterina Bianchini, nous discutons de la signification de « NARI », du rôle que joue la collaboration dans la pratique du studio et du devoir d'expérimenter.
Salut Caterina ! Comment vas-tu ?
Bonjour ! Tout va bien, merci de votre demande ! Nous sommes sur le point d'ouvrir notre nouveau studio à Dalston et nous agrandissons notre équipe l'année prochaine. Nous avons donc beaucoup de choses à vous offrir. Nous avons également travaillé sur des projets incroyables cette année et avons eu l'occasion de collaborer avec de nombreux nouveaux clients. Pour l'instant, nous commençons à ralentir le rythme pour l'année, ce qui semble bien nécessaire.
Le Studio NARI est un exemple exceptionnel de la recherche d'un équilibre parfait entre expérimentation artistique et sophistication. Comment conciliez-vous ces tensions dans votre travail ?
Notre mantra, caché derrière notre nom acronyme « Pas toujours les bonnes idées », est le moteur de ce processus et de cette mentalité qui nous pousse à nous éloigner des codes du graphisme classique pour adopter une approche artistique plus conceptuelle. C'est cette touche artistique que vous ressentez probablement dans nombre de nos créations. Parallèlement, nous appliquons une réflexion stratégique approfondie qui permet à nos créations d'être suffisamment ancrées pour être considérées et comprises commercialement.
Les identités de NARI reposent toujours sur une base typographique indéniablement solide (ce qui, selon nous, les rend d'autant plus performantes !). Quel rôle joue la typographie pour vous dans la création d'identités visuelles ?
Énorme ! La typographie est un langage visuel qui permet de communiquer presque à un niveau auditif, sans parler physiquement. Elle peut devenir l'essence même d'une marque, l'élément unique auquel le spectateur se connecte à travers différents points de contact. Il existe de nombreux éléments que l'on peut intégrer à la typographie, de petits caractères ou des motifs graphiques, qui permettent au spectateur de l'interpréter et de la ressentir d'une certaine manière. Il faut cependant trouver un équilibre. Je pense que parfois, lorsqu'une typographie devient trop expressive, on perd l'essence de la « marque » et on devient quelque chose de plus éditorial ou d'indépendant. C'est un aspect que nous prenons souvent en compte lors de la création de logos sur mesure pour des clients ou des projets spécifiques.
Pour Modular by Mensah, vous avez collaboré avec Margot Leveque pour créer une typographie sur mesure époustouflante et sculpturale. Qu'apportent les collaborations avec des créateurs de polices au travail de NARI ?
Toutes nos collaborations typographiques commencent généralement par une esquisse de la police. Nous la confions ensuite à l'un de nos typographes de confiance. Nous collaborons avec de nombreux talents du monde entier, ce qui apporte des perspectives, des échanges et des développements passionnants aux créations finales. Nous appelons ce réseau de personnes notre « grande famille », car nous leur faisons entièrement confiance, croyons en leur vision artistique et soutenons leur pratique.
NARI, acronyme de « Pas toujours les bonnes idées », nous a particulièrement touchés. Comment cet état d'esprit se manifeste-t-il dans vos processus et vos résultats ?
Je crois avoir évoqué ce point un peu plus tôt, mais c'est à travers notre processus que nous le mettons en pratique. Par exemple, beaucoup de nos idées initiales naissent « hors champ », par exemple en dessinant, en consultant des livres, en visitant une galerie ou un espace. Cela nous permet de conceptualiser de manière plus naturelle et humaine, plutôt que de chercher le concept ou l'idée « parfait » ; nous ne sommes pas des robots. Il s'agit plutôt de la réflexion. Comment ce fil conducteur conceptuel traverse-t-il l'ensemble du projet ? S'agit-il de fil conducteur subliminal ou de travailler avec des modes d'application légèrement différents ? Envisager des juxtapositions plutôt que des harmonisations, ou créer des tensions intéressantes par la couleur, la typographie, le style, etc. Je pense que cette liberté de pensée et de processus m'est venue des Beaux-Arts. J'adorais m'asseoir dans mon atelier pour réfléchir/écrire, puis me mettre au travail. Le silence de la contemplation et prendre un moment pour écouter le dialogue intérieur peut être si puissant.
Nous étions ravis de vous voir utiliser Right Grotesk pour votre refonte exceptionnelle et dynamique de Mob Kitchen ! Pourquoi avez-vous fait ces choix typographiques pour ce projet et qu'ont-ils apporté à l'œuvre ?
Dès le début du développement de l'identité visuelle, nous avons immédiatement su que Right Grotesk était la police que nous souhaitions utiliser, grâce à la flexibilité et à la continuité des variables. Nous avons utilisé trois variables que nous avons combinées pour créer un langage typographique dynamique pour les titres de la marque. « Right Grotesk » offrait un équilibre remarquable entre douceur, espièglerie et simplicité. Nous avons estimé que cette combinaison de polices créait du mouvement, était expressive tout en conservant un caractère éditorial, ce qui était important car elles seraient utilisées dans différents supports : livres de recettes mensuels, newsletters, sous-titres, etc.
Nous adorons votre travail pour HOME. De la campagne « Celebrating Joy » à l'identité visuelle elle-même, le ton est indéniablement raffiné, mais inattendu. Comment créez-vous des identités visuelles qui reposent sur des bases solides tout en laissant une certaine flexibilité ?
Nous cherchons toujours à créer des marques actuelles, c'est-à-dire qu'elles soient vivantes, capables de s'adapter à la culture contemporaine. Elles sont ancrées dans une certaine mesure, mais offrent une certaine flexibilité et des facettes qui leur permettent de s'adapter. Nous y parvenons généralement par le biais du langage typographique et des couleurs qui soutiennent la marque. Nous introduisons également cette idée par l'art de la collaboration. Nous recommandons à ces marques de collaborer, dans la mesure du possible, avec des personnalités inspirantes afin de rester en contact permanent avec un paysage culturel en constante évolution.
Sur Instagram, vous publiez souvent des croquis et des expérimentations qui n'ont pas vraiment été retenus, comme pour le projet Legacy de Nike LA. Abordez-vous toujours les projets avec cet esprit d'exploration ou y a-t-il des moments où une direction visuelle vous semble évidente dès le départ ?
Je ne pense pas qu'une direction visuelle soit toujours parfaitement claire, mais parfois, on a une intuition sur ce qu'elle doit exprimer. C'est d'ailleurs ce qui s'est passé avec Mob. Avant même de commencer la phase de recherche, je savais déjà quelle devait être l'ambiance, et une fois cette ambiance comprise, on commence à visualiser comment elle pouvait être représentée graphiquement. Par exemple, Mob devait être plein, énergique, jeune et . Nous avons développé un logotype plein et , ainsi qu'une marque dynamique, la palette de couleurs et son application donnant à la marque cette touche de jeunesse. C'est toujours le cas pour les multiples croquis et développements de projets. Nous pouvons produire beaucoup de travail en équipe, et je pense qu'il est de votre devoir, en tant que designer, de tester et d'expérimenter toutes les différentes manières possibles d'exister, car cela vous permet de prendre des décisions éclairées.
Si vous deviez donner un conseil à un designer souhaitant se concentrer davantage sur la typographie dans son travail, quel serait-il ?
Amusez-vous et n'abandonnez pas. Au début du NARI, c'était vraiment difficile, et avant, j'ai dû travailler dur pour percer et me faire remarquer. À plusieurs reprises, je me suis dit que ça ne marchait pas et que ça n'arriverait jamais. J'avais des gens autour de moi qui me maintenaient sur la bonne voie, qui me soutenaient, mais surtout, j'adorais ce que je faisais et je ne voulais pas abandonner.
Et enfin, si vous ne dirigiez pas NARI, que voudriez-vous faire à la place ?
J'y pense souvent, car je pense que ce sera probablement mon plan de retraite… J'ai toujours été passionnée par la psychologie, donc je pense probablement devenir art-thérapeute. Si cela échoue, j'aimerais consacrer mon temps aux autres et aider ceux qui sont dans le besoin. Je pense que nous tenons tous beaucoup de choses pour acquises, alors parfois, penser à un avenir où je pourrai donner quelque chose en retour me donne envie de travailler plus dur maintenant, pour avoir plus à donner plus tard.
